美国著名混音师的混音教程

　　我们先来做一个简单的练习：闭上眼睛，代上耳机，放一首你最熟悉的流行歌曲，仔细听每个鼓件、乐器的位置：底鼓(bass drum/kick drum)?正中间;军鼓(snare drum)?差不多，也在中间;贝斯?在中间;钢琴?低音在左边，高音在右边，就好象你正坐在钢琴旁弹奏一样……

　　多数混音师是从听众或演奏者的角度来摆放乐器位置的。我喜欢从演奏者的角度来混音：

　　一.鼓和贝斯

      在一首流行或者摇滚歌曲里，军鼓、底鼓、贝斯构成了歌曲的感觉与风格，是除了主唱之外最显著的部分。

　　我们先从底鼓开始，音量调到-3db(从立体声总输出看)。若需要一些冲劲可在用均衡器在2.5khz提升一点;若听起来有些发闷可以在300hz衰减一点。接下来我们来调节贝斯，逐渐提升音量直到与底鼓融为一体，听起来就好像在你的胸腔上敲打一样。

　　现在该加入军鼓了，音量接近但是不要超过底鼓、贝斯。加一点板式或者房间混响(plate or room reverb)，延迟时间可设为1秒。加入桶鼓(tom)、钹(cymbal)，调节声像：钹1、高音桶鼓(high tom)都放在左边，中音桶鼓(mid tom)放在中间，钹2、低音桶鼓(floor tom)放在右边。

　　若你的桶鼓听起来象在敲纸板箱，可用均衡在低音区提升一点、在300-500hz衰减一点、在高端提升一点增加啪啪声。对于钗(hi-hat)，我一般不作过多的处理，它往往可自恰于音乐中。

　　二.其他乐器

　　鼓与贝斯调好后，就能加入其他乐器了。

　　(1)电吉他：声像放在靠近最左面，加一个短暂的延时效果器发送到最右面，音量小一些，这样你就能得到一个宽广、响亮的电吉他了。

　　(2)古典吉他：声像放在右边，少加一点谐波效果器(译者注：应该是指吉他用的激励器)。将吉他复制一轨，音调稍微下调一点，声像放在左边。这样不用提升音量就可以得到一个宽广、响亮的古典吉他声音。这就是混音的秘诀。

　　(3)钢琴：我通常从弹奏者的角度来处理。但如果在左边有吉他，我就不会把钢琴的低音键与吉他放在同一位置，而是比吉他稍微靠右一点，比如说把低音键放到左30度，高音键放到右30度，这样就不会打架。为了使钢琴的高音清脆、低音有力，可加一个立体声压缩器，启动时间(attack time)快一些，释放时间(release time)长一些。

　　接下来你可以再添加一些乐器，但要记住它们在空间上不能打架。

　　三.背景人声

　　假设有两轨背景人声，每轨有三人合唱，想让他们听起来象天使就这样做：将一轨的声像调到极左，另一组调到极右，用滤波器过滤掉一些中低频率。最好再加一些立体声混响，比如说延迟时间为1.5秒的板式混响(plate reverb)。

　　四.主唱

　　声像当然在正中间，音量调大。近些年主唱好象趋向“干”，所以可以不用混响，或稍加一些板式或室内混响(plate or chamber)，延迟时间要短。也可以在主唱上加一点延时效果，这样可以使之听起来显著，而不用提升太大音量。是的，不用提升太大音量就使各种乐器听起来壮观、层次分明是混音的真正技巧，均衡是做这项工作的极佳工具，但要理解均衡对每种乐器的作用需要花些时间多听。

　　上面介绍的是基础性的，当你把它用的滚瓜烂熟后，就可以进行一些新的尝试了。在许多情况下，一种乐器单独听起来很悦耳，但仍需进行均衡调节使之频响与其他乐器没有抵触、突出最亮丽的部分，从而融入到作品中去，这就是均衡调节的主要目的。

　　下面让我们看一下常用乐器及人声均衡调节的一些诀窍：

　　1.底鼓(Kick Drum)：底鼓是一首歌曲里最重要的部分之一，因为它推动着节奏向前进行。这里我们讨论如何处理常见的三种底鼓：

　　(1)第一种我称之为“80年代蓬头底鼓”，你一定熟悉的：强而有力、富含中频、含有重击的"砰"声，想得到这种比较怀旧的底鼓声音，可以先过滤掉60Hz以下的频率，然后根据情况在78-84Hz提升3到6dB(Q值大约为1)，使之听起来象是敲在你的胸膛上。接下来在1.5-2.5kHz提升大约6dB来增加"砰"声(Q值在1.5-2.5比较适合)，最后在120Hz降大约4dB(Q值1.0)。参数可以反复调节直至听起来象"White Lion"的作品。

　　(2)第二种是当今最流行的"Bonham"摇滚底鼓，我通常在120-240Hz提升4dB或更多来得到这种声音，还需要过滤掉1.5kHz以上的所有频率，有时候可能需要在80Hz略降低1-2dB、在60略提升2-3dB。

　　(3)还有一种现在常用的底鼓：比较空、有摩擦声，想得到这种声音，你可以过滤掉100Hz以下的所有声音，在125Hz提升大约3dB，在250-350Hz提升大约4dB。然后过滤掉2kHz以上的所有频率。